{"id":50,"date":"2024-07-27T12:42:32","date_gmt":"2024-07-27T10:42:32","guid":{"rendered":"https:\/\/congresocimic.umh.es\/ponentes\/"},"modified":"2024-10-23T19:27:06","modified_gmt":"2024-10-23T17:27:06","slug":"ponentes","status":"publish","type":"page","link":"https:\/\/congresocimic.umh.es\/ca\/ponentes\/","title":{"rendered":"PONENTES"},"content":{"rendered":"\t\t
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Ponentes<\/h3>\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/section>\n\t\t\t\t
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Ponentes<\/h3>\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/section>\n\t\t\t\t
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L\u00edquido. H\u00edbridos y fluidos<\/span><\/p>

MARIBEL S\u00c1NCHEZ BONILLA<\/strong><\/span><\/p>\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t

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Nace en Fuensanta (Ja\u00e9n) en 1955, Cursa estudios en la Escuela Superior de Bellas Artes de Sevilla (1974-1979, Especialidad Escultura), donde en 1980 presenta la Tesina para acceder al t\u00edtulo de Licenciada en Bellas Artes.<\/p>

Doctora en Bellas Artes por la Universidad de La Laguna (1987).<\/p>

Profesora de la ULL desde 1979. Catedr\u00e1tica de Escultura de la ULL desde 1996.<\/p>

Experiencia en gesti\u00f3n universitaria: responsabilidad como Vicerrectora de Servicios Generales de la ULL (2003-2005), participaci\u00f3n en equipos decanales de la Facultad de Bellas Artes de la ULL ( Secretar\u00eda 1986 a 1990 y Vicedecanato 2001 a 2003), direcci\u00f3n del Departamento de Pintura y Escultura de la ULL (2006-2008) y m\u00faltiples etapas como Coordinadora del Area Escultura (unidad funcional dentro de los departamentos de Pintura y Escultura o de Bellas Artes).<\/p>

Miembro de N\u00famero de la Secci\u00f3n de Escultura de la Real Academia Canaria de Bellas Artes de San Miguel Arc\u00e1ngel (desde 2014). Miembro Correspondiente de la Real Academia de Bellas Artes Santa Isabel de Hungr\u00eda de Sevilla (desde 2003). Miembro Correspondiente de la Real Academia de Bellas Artes Nuestra Se\u00f1ora de las Angustias de Granada (desde 2002).<\/p>

Autora de tres monumentos p\u00fablicos, ubicados en Fuensanta (Ja\u00e9n), Tacoronte (Tenerife) y Coronel Xavier Chaves (Brasil).<\/p>

Su obra se integra en: Museo L\u00f3pez Villase\u00f1or de Ciudad Real, Museo RACBA de Santa Cruz de Tenerife y LM Arte en San Crist\u00f3bal de La Laguna. Tambi\u00e9n en las colecciones privadas m\u00e1s significativas de Tenerife y de Gran Canaria.<\/p>

Ha realizado 9 exposiciones individuales de escultura y participado como escultora en m\u00e1s de un centenar de exposiciones colectivas o conjuntas.<\/p>

Ha comisariado 10 exposiciones colectivas de escultura, una de ellas de \u00edndole internacional, siendo autora de los textos introductorios que aparecen en sus cat\u00e1logos. Tambi\u00e9n ha aportado m\u00faltiples textos de an\u00e1lisis para cat\u00e1logos de exposiciones individuales.<\/p>

IP de cuatro proyectos competitivos e investigadora colaboradora en otros cinco. En la actualidad sus investigaciones se centran en las aguas petrificantes y las diversas aplicaciones creativas a partir de las rocas termales, con un proyecto activo: ECAL 2021ECO08 cuyo desarrollo llegar\u00e1 hasta mayo de 2025.<\/p>

Directora de 11 convenios de transferencia de investigaci\u00f3n firmados entre la Fundaci\u00f3n General de la ULL y diversas entidades p\u00fablicas.<\/p>

Autora de 3 libros, coordinadora y coautora de otros 6; autora de 6 art\u00edculos de investigaci\u00f3n y coautora de 5 m\u00e1s; autora de 19 Ponencias Invitadas, 8 de autor\u00eda compartida, y de 26 Comunicaciones en Congresos\/Jornadas, 10 de autor\u00eda compartida.<\/p><\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t\t\t

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Piedras volc\u00e1nicas de Canarias y posibilidades en Escultura<\/strong><\/p>

Las Islas Canarias, se conforma en su totalidad por materiales de origen volc\u00e1nico. Los magmas que conforman el archipi\u00e9lago son inicialmente ultram\u00e1ficos (contenido en s\u00edlice menor del 45%, altos porcentajes de MGO y FeO, erupciones fluidales), durante su ascenso en la corteza terrestre, con las bajadas de presi\u00f3n\/temperatura y la cristalizaci\u00f3n de elementos que tienen \u00a0mayor grado de fusi\u00f3n, la parte fluidal del magma ser\u00e1 cada vez m\u00e1s alcalina (llegando a superar el 70% de contenido en s\u00edlice, dando lugar a erupciones dom\u00e1ticas y finalmente explosivas). Se ha de considerar asimismo que cada una de las Islas Canarias se encuentra en un momento evolutivo diferente: fase de desmantelamiento en las islas orientales (afloramiento de materiales end\u00f3genos y materiales alterados), intermedio en las centrales (materiales de dep\u00f3sito ex\u00f3geno alterados) y crecimiento activo en las islas m\u00e1s occidentales (materiales j\u00f3venes, sin oxidaci\u00f3n). Debido a las circunstancias anotadas \u2013 diferenciaci\u00f3n magm\u00e1tica, tipos eruptivos, fases de crecimiento\/desmantelamiento- tenemos a nuestra disposici\u00f3n una gama de materiales \u00edgneos excepcionalmente amplia, muy diversos en cuanto a composici\u00f3n, textura, resistencias frente a impacto o abrasi\u00f3n, o posibilidades de pulimento, que pueden adaptarse, en el \u00e1mbito de la escultura, a las distintas necesidades de comunicaci\u00f3n est\u00e9tica. \u00a0El presente trabajo analiza diferentes familias de rocas volc\u00e1nicas: basaltos, fonolitas, traquitas, ignimbritas y pumitas, destacando sus principales caracter\u00edsticas a nivel estructural y viso-t\u00e1ctil, que se correlacionan con las posibilidades y l\u00edmites en escultura, tanto a nivel compositivo como en los procesos de desbaste, labra y tratamiento superficial.\u00a0<\/p><\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t

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L\u00edquido. H\u00edbridos y fluidos<\/span><\/p>

NACHO CARB\u00d3<\/strong><\/span><\/p>\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t

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Nacho Carb\u00f3 (1975) es artista pl\u00e1stico y arquitecto titulado por la ETSAV y la Ecole d\u2019Architecture de Par\u00eds La Villette, y Doctor por la UPV con un trabajo de investigaci\u00f3n acerca de las relaciones entre el paisaje, el arte y la arquitectura de finales del siglo XX.<\/p>

Tras m\u00e1s de diez a\u00f1os de estudio propio creando y construyendo obras de arquitectura, entre las que destacan el Museo de Cer\u00e1mica de L\u2019Alcora o la Escuela Infantil Soler i Godes en Castell\u00f3n, as\u00ed como numerosas viviendas unifamiliares, desde 2016 divide su actividad profesional entre el arte y la arquitectura.<\/p>

Entre sus exposiciones m\u00e1s recientes destacan La piel que respira<\/em> en la Galer\u00eda Freijo de Madrid o Geometr\u00edas Impl\u00edcitas<\/em> junto a Juan Su\u00e1rez y Fernando Clemente en la Galer\u00eda Rafael Ortiz de Sevilla.<\/p>

Actualmente est\u00e1 inmerso en un proceso de estudio e investigaci\u00f3n en torno a las nuevas materialidades y la creaci\u00f3n de proyectos de car\u00e1cter art\u00edsticos con elementos provenientes de la naturaleza.<\/p><\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t\t\t

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Todos somos l\u00edquenes <\/strong><\/p>

Avanzando ya en este siglo XXI, resulta cada vez m\u00e1s dif\u00edcil negar la evidencia de que vivimos en un planeta herido. Esta nueva situaci\u00f3n nos aboca a un reposicionamiento del ser humano en un futuro mundo multiespecies. Este nuevo modelo de relaci\u00f3n con el planeta y con el resto de organismos vivos que habitamos en \u00e9l, apela tambi\u00e9n, como no pod\u00eda ser de otro modo, a las artes pl\u00e1sticas. La capacidad del arte para generar preguntas, plantear interrogantes, cuestionarnos qui\u00e9nes somos y en consecuencia c\u00f3mo nos relacionamos con nuestro entorno, jugar\u00e1 un papel determinante en un futuro no muy lejano. Desde mi punto de vista, hay dos aspectos clave que pueden servirnos de inestimable ayuda en este nuevo y fascinante viaje: por un lado, dedicarles una atenci\u00f3n especial a los procesos de generaci\u00f3n de la forma en la naturaleza y por otro, y de la mano de estos, la adopci\u00f3n y la investigaci\u00f3n de nuevas materialidades. La escultura contempor\u00e1nea puede, y debe, nutrirse de esta nueva materialidad. Una materialidad que es materia y concepto al mismo tiempo. As\u00ed, atento a este contexto, mi obra art\u00edstica surge de una extra\u00f1eza activa frente a un mundo cuya complejidad es inabarcable pero no por ello menos estimulante y seductora y desde la convicci\u00f3n de que las coordenadas en las que nos hemos movido en tantos campos nos han llevado a un camino de no retorno. Se trata de un trabajo que apuesta decididamente por el acercamiento a esos procesos biol\u00f3gicos y simbi\u00f3ticos, a estas nuevas materialidades (biocelulosa bacteriana, algas, biopol\u00edmeros de almid\u00f3n, colofonia, micelio\u2026) y a geometr\u00edas compuestas por m\u00faltiples superposiciones, discontinuidades y pliegues. Son obras que surgen de una mirada atenta a un mundo que nos deja m\u00e1s dudas que certezas, donde el tiempo y la materia son partes inseparables de la generaci\u00f3n de la forma. biomateriales, procesos, simbiosis, sostenibilidad, materialidad<\/p><\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/div>\n\t\t\t\t

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L\u00edquido. H\u00edbridos y fluidos<\/span><\/p>

M.\u00aa JES\u00daS CUETO<\/strong><\/span><\/p>\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t

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Artista interdisciplinar. Doctora en Bellas Artes por la UPV\/EHU, Premio Extraordinario en Humanidades por su tesis doctoral: \u201cEl alabastro como soporte material y medio de creaci\u00f3n\u201d. Profesora Honor\u00edfica del Departamento de Escultura y Arte y Tecnolog\u00eda de la UPV\/EHU. Profesora Titular de Universidad jubilada del Departamento de Escultura de la UPV\/EHU (1979 – 2021). Secretar\u00eda Acad\u00e9mica del Departamento de Escultura. Directora del Departamento de Escultura. Miembro Comisi\u00f3n Acad\u00e9mica del M\u00e1ster INCREARTE. Ha Investigado becada en Centros y Museos de Europa y ha impartido docencia en el EEES ERASMUS-SOCRATES.<\/p>

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Se ha formado en la Escuela Superior de Arquitectura de Valladolid, Escuela Superior\u00a0 de Bellas Artes de Bilbao (Escultura y Grabado), Escuela de Cer\u00e1mica de la Bisbal (Gerona), Escuela Libre de Sargadelos (Lugo), Accademia Raffaello di Urbino (Italia), UIMP, etc\u00e9tera.<\/p>

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Su trabajo se inscribe en el \u00e1mbito de la Escultura Contempor\u00e1nea, desarrollando proyectos donde opera con las tres dimensiones y el tiempo, dando origen a esculturas, instalaciones multimedia, performances y acciones, donde en algunas ocasiones contempla e incluye la participaci\u00f3n activa del espectador o la colaboraci\u00f3n de artistas de otros \u00e1mbitos. Ha realizado proyectos de investigaci\u00f3n-creaci\u00f3n de: Escultura, Escultura y Arquitectura, Escultura y Paisaje, Creaci\u00f3n interdisciplinar,\u00a0 Ambiente, acci\u00f3n y participaci\u00f3n, etc\u00e9tera. A nivel nacional e internacional.<\/p><\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t\t\t

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El objetivo de esta disertaci\u00f3n es presentar una aproximaci\u00f3n al alabastro como medio de creaci\u00f3n, que fundamenta su investigaci\u00f3n en base a una selecci\u00f3n de civilizaciones, periodos, estilos, lugares y escultores destacados\u00a0 de los siglos XIX, XX y XXI, que hemos juzgado de inter\u00e9s por distintos aspectos conceptuales y significativos de la expresi\u00f3n pl\u00e1stica con el alabastro, con la finalidad de ofrecer una visi\u00f3n panor\u00e1mica en su utilizaci\u00f3n. Otro objetivo prioritario es la presentaci\u00f3n de la experimentaci\u00f3n pl\u00e1stica con el material alabastro, como investigaci\u00f3n personal, que se configura en una serie de Proyectos Experimentales con el alabastro y su integraci\u00f3n con otros materiales en un proceso metodol\u00f3gico de elaboraci\u00f3n, confrontaci\u00f3n, producci\u00f3n y sinton\u00eda, que sintetiza el mapa conceptual del desarrollo del proceso. Desde la Semi\u00f3tica\u00a0 o desde la Antropolog\u00eda Cognoscitiva podemos afrontar la dicotom\u00eda\u00a0 de El alabastro como signo natural o El alabastro como un signo cultural, definiendo\u00a0 un esquema general sobre el proceso de creaci\u00f3n. La materia alabastro es un material que contiene una carga luminosa,\u00a0 simb\u00f3lica y expresiva por su presencia sensible y est\u00e9tica a trav\u00e9s de su materialidad, luz, estructura, color, translucidez, uso, expresi\u00f3n y creaciones objetuales a lo largo de la historia, que transciende a los encasillamientos, dado que su significado ha sido expresado como luz, como sacralidad, como espiritualidad, como lujo y como poder. El alabastro es una materia que contiene una carga luminosa\u00a0 que se caracteriza por denotar inmaterialidad a trav\u00e9s de la luz como met\u00e1fora visual de lo divino, lo espiritual, lo sagrado, la inmortalidad, lo perpetuo y el poder social\/econ\u00f3mico\/divino, intr\u00ednseco a su materialidad discursiva.<\/span><\/p>

Palabras clave:<\/b>\u00a0 escultura, alabastro, procedimiento, t\u00e9cnica, escala, estructura, textura, instalaci\u00f3n, cuerpo, circulaci\u00f3n<\/span><\/p><\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/div>\n\t\t\t\t

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S\u00f3lido. Tangible y procedimental<\/span><\/p>

NATIVIDAD NAVAL\u00d3N<\/strong><\/span><\/p>\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t

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Doctora en Bellas Artes y Catedr\u00e1tica de la Universitat Polit\u00e8cnica de Val\u00e8ncia.<\/p>

Su obra ha sido expuesta en el Museo Reina Sof\u00eda, C\u00edrculo de Bellas Artes, Casa de Vel\u00e1zquez y Fundaci\u00f3n Telef\u00f3nica, C.C. Conde Duque en Madrid; Museo d\u2019Art de Girona; IVAM, Centro del Carmen; MuVIM, Sala Parpall\u00f3 en Valencia; Fundaci\u00f3 Caixa de Pensions, Palau Solleric, Museo Pablo Gargallo. En museos internacionales de Alemania; Italia, Austria, Portugal, Rusia, Marruecos, Brasil, Chile, Colombia, Uruguay, Argentina, EE. UU, M\u00e9xico, Cuba, Jap\u00f3n o China<\/span>.<\/p>

Ha participado en la Bienal de La Habana; Biennale Internazionale di Scultura de Torino; X Bienal<\/p>

Internacional de Arte Contempor\u00e1neo en Dakar; I Bienal Internacional de Casablanca; III Bienal del Fin del Mundo. Antropoceno, Argentina. II Bienal de Valencia; BIENNALE \u201888, Giovani Artisti dell\u2019 Europa en Boloni; <\/span>en Exposici\u00f3n Universal de Sevilla o en la Exposici\u00f3n Universal de Lisboa. La \u00faltima serie No lo llamaba hogar, pero era todo lo que ella ten\u00eda nos advierte del momento de duelo, de p\u00e9rdida, de soledad, de desarraigo. Presenta un lugar de luchas y treguas en un campo de ausencia, de vac\u00edo, de mar, de inmensidad. La necesidad de encontrar una zona segura que mantenga juntas, sin confundirlas, la presencia y la ausencia. Imagen de un estado de fracaso, de la p\u00e9rdida misma que reafirma su penuria, porque el deseo que entra\u00f1a la conquista nunca estar\u00e1 satisfecho del todo. Nuestro destino como mujeres, como indigentes, es ser sujetos errantes. La vieja casa se ha derrumbado, ahora nos queda ordenar nuestras dudas, plegar nuestras derrotas, apilar nuestros deseos. Aparece una b\u00fasqueda n\u00f3mada que nos sit\u00faa en la frontera y nos obliga a empaquetar las seguridades, la estabilidad, para coger la maleta hacia un nuevo orden. La met\u00e1fora de la indigencia es, en el fondo, una forma de comprender a la mujer, pero, sobre todo, una forma de comprendernos a nosotras mismas. Se convierte en el tr\u00e1nsito que va abocetando esa nueva construcci\u00f3n del yo. De esta met\u00e1fora de indigencia deviene un sentimiento de orfandad de creencias, una existencia precaria, insegura, donde se asienta un estado de tensi\u00f3n permanente, cuya \u00fanica posesi\u00f3n es el encuentro consigo mismo. Y s\u00f3lo al asomarnos al abismo descubrimos que el v\u00e9rtigo de vivir nos acecha, pero es el \u00fanico camino para salir del exilio, para cruzar la frontera. Se empieza a comprender que no se sabe vivir en soledad, pero tampoco inmersa en la sociedad de la posverdad. Somos conscientes de que por mucho que nos desesperemos ese camino lo estamos recorriendo solas.<\/p><\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t\t\t

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Hablar de tejido, es pensar en cubrir, en arropar, en proteger, es hablar de vestir, pero
tambi\u00e9n es hablar de cultura y de h\u00e1bitos, de espacios y tradiciones. Este trabajo de
investigaci\u00f3n plantea un estudio del tejido como recurso pl\u00e1stico en la creaci\u00f3n: desde su
representaci\u00f3n al uso como material escult\u00f3rico.<\/p>

Algunas de las narrativas que el arte contempor\u00e1neo est\u00e1 valorando y trabajando facilitan el
uso del tejido, precisamente, dentro los campos sem\u00e1nticos que proponemos: la piel y el
cobijo, el cuerpo y el espacio, la identidad y la puesta en escena. As\u00ed pues, vamos a analizar
c\u00f3mo el feminismo, los estudios de g\u00e9nero, la ecolog\u00eda, el reciclaje, incluso las problem\u00e1ticas
sociales que plantean los propios ODS y que son recogidas por numerosos artistas, se prestan
al uso, no solo de este material, sino de las t\u00e9cnicas y procesos que lo acompa\u00f1an. En muchas
artistas ha resultado ser un material distintivo para dar voz a la labor de mujer.<\/p>

Por otro lado, abordaremos las cualidades de un material como \u00e9ste, en cuanto a plasticidad,
ductilidad, acoplamiento a las formas y superficies, posibilidades de manipulaci\u00f3n o camuflaje
pueden, de alguna manera, complacer el car\u00e1cter esc\u00e9nico que adquiere, una parte de la obra
que se produce en la actualidad. Su capacidad de ocupaci\u00f3n, la facilidad para abarcar grandes
superficies, la habilidad para potenciar, organizar, parcelar, o simular el espacio, supone un
gran recurso en un medio como es, el de la instalaci\u00f3n o la intervenci\u00f3n en la naturaleza. Pero
adem\u00e1s, su car\u00e1cter ef\u00edmero, su facilidad para desaparecer, para desmontar, para
desvanecerse, va ligado al car\u00e1cter ef\u00edmero de las exposiciones que se producen en la
actualidad.<\/p><\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/section>\n\t\t\t\t

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S\u00f3lido. Tangible y procedimental<\/span><\/p>

SUSANA PITEIRA<\/strong><\/p>\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t

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Doutorada em Artes (Escultura), Facultat de Belles Arts – Universitat de Barcelona (2018). P\u00f3s-gradua\u00e7\u00e3o em Espa\u00e7o P\u00fablico, Regenera\u00e7\u00e3o Urbana, Arte e Sociedade, Facultat de Belles Arts – Universitat de Barcelona (2001). Licenciatura em Artes (Escultura) Escola Superior de Belas Artes do Porto. Bolseiro da Funda\u00e7\u00e3o Calouste Gulbenkian (1991-93, 1994, 2002), da Funda\u00e7\u00e3o para a Ci\u00eancia e Tecnologia (2002-06) e da Funda\u00e7\u00e3o Oriente (2019). Leccionou na Universidade de \u00c9vora (1992-96 e 2010-2011), na Faculdade de Belas-Artes da Universidade de Lisboa (1995-2002), na Faculdade de Belas-Artes da Universidade do Porto (2010-18), desde 2019 at\u00e9 \u00e0 atualidade \u00e9 Professora Convidada desta Escola na \u00e1rea da Cer\u00e2mica. Leccionou, tamb\u00e9m, ocasionalmente em academias espanholas. Tem organizado e participado em exposi\u00e7\u00f5es de artes pl\u00e1sticas e visuais, confer\u00eancias, simp\u00f3sios, resid\u00eancias art\u00edsticas e workshops, nacionais e internacionais, dos quais se podem destacar as exposi\u00e7\u00f5es individuais: Bright as Silver, White as Snow II (com Beatriz Horta Correia e Gra\u00e7a Pereira Coutinho, organiza\u00e7\u00e3o Grupo Converg\u00eancias\/ CMT, Tomar, Complexo da Levada, 2003\/24); LUX (Galeria Diferen\u00e7a, Lisboa, 2023); Bright as Silver, White as Snow (com Beatriz Horta Correia e Gra\u00e7a Pereira Coutinho, Lisboa, Museu do Oriente, 2021); O impulso Ut\u00f3pico (Galeria Fernando de Azevedo – Sociedade Nacional de Belas Artes, Lisboa, 2019); Luxuriae (comissariado por Jo\u00e3o Mendes Rosa, Galeria do Pa\u00e7o do Museu Municipal da Guarda, Guarda, 2017), Reservas e Sedimentos: Tens\u00f5es, Representa\u00e7\u00f5es, Heran\u00e7as ou Nomea\u00e7\u00f5es, (Galeria da Universidade – Museu Nogueira da Silva, Braga, 2013); Trompe L’oeil, Le Coeur Et La Raison (Quase Galeria\/ Espa\u00e7o T, Porto, 2013); Prazeres P\u00fablicos Sofrimentos Privados (Casa da Cerca – Centro de Arte Contempor\u00e2nea, Almada, 2004, com Rietske Van Raay); Beleza ou Natureza e Arte ou, Ainda, V\u00e9nus Landscap e ou,.. (Galeria J.M. Gomes Alves, Guimar\u00e3es, 2003); Natura Natura\/Natura Naturans (Fragmentos) (Galeria Artes, Porto, 2007); Membranas (Museu Alberto Sampaio, Guimar\u00e3es, 2010, exposi\u00e7\u00e3o antol\u00f3gica).<\/p><\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t\t\t

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T\u00edtulo: En el \ufb01lo de la navaja <\/strong><\/p>

Palabras Clave: Escultura; Materia; Procesos; Tiempo; Naturaleza y Arti\ufb01cio. <\/strong><\/p>

Mi trabajo art\u00edstico se desarrolla a partir de la escultura, utilizando diversos medios de expresi\u00f3n, todos ellos necesarios para alcanzar mis objetivos. Desde los diversos medios del \u00e1mbito estrictamente escult\u00f3rico, hasta el dibujo, el grabado, el textil y las instalaciones multimedia, la escultura se aborda en un palimpsesto atemporal. Explora lo que fue y lo que puede llegar a ser a trav\u00e9s de diferentes formas de hacerla. Los materiales, especialmente los naturales, y los lugares de los que proceden, son fundamentales en mi trabajo, al igual que el ejercicio de un taller riguroso que da al objeto \ufb01nal su cuerpo y expresi\u00f3n exactos. El tiempo es un requisito fundamental en esta ecuaci\u00f3n: tiempo para ejecutar y tiempo para disfrutar de la obra. En mi trabajo, este tiempo suele ser largo. La naturaleza en confrontaci\u00f3n con el arti\ufb01cio como con\ufb02icto es la matriz tem\u00e1tica. Este con\ufb02icto constante evoca las dimensiones de la belleza y lo er\u00f3tico, que se asumen como sumamente importantes para nuestra existencia. En de\ufb01nitiva, mi comportamiento art\u00edstico puede resumirse como una acci\u00f3n de lucha que se desarrolla arduamente en el trabajo de la confrontaci\u00f3n entre la vida y nuestra muerte, mediada por el uso de materiales, a trav\u00e9s de procesos cuyos resultados desaf\u00edan sus cualidades f\u00edsicas. En esta comunicaci\u00f3n presentar\u00e9 ejemplos de obras tridimensionales en diversos materiales y realizadas mediante diferentes procedimientos t\u00e9cnicos, como el m\u00e1rmol, la cer\u00e1mica o el textil, poniendo de mani\ufb01esto la existencia de la g\u00e9nesis ancestral de la escultura en la \u00e9poca contempor\u00e1nea.<\/p><\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t

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S\u00f3lido. Tangible y procedimental<\/span><\/p>

BARTOLOM\u00c9 MONTES<\/strong><\/span><\/p>\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t

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Bartolom\u00e9 Montes curs\u00f3 sus estudios de Bellas Artes entre las facultades de Altea, Salamanca y M\u00e1laga gracias a la Beca Sicue-S\u00e9neca. Durante este periodo acad\u00e9mico particip\u00f3 en el taller \u201cBody Art and Performance\u201d impartido por Marina Abramovic en el CENDEAC, Murcia.<\/p>

En cuanto a su trabajo podemos advertir en un primer momento que se desarrolla principalmente en torno a la escultura figurativa. Sus proyectos se materializan sobre todo en cart\u00f3n corrugado y porexpan de forma autodidacta, creando as\u00ed nuevas maneras de trabajar y logrando en consecuencia resultados que lo diferencian de forma muy evidente. Su obra se caracteriza por minimizar los procesos creativos utilizando casi en exclusiva las manos como \u00fanica herramienta sobre el material sin ning\u00fan tipo de tratamiento previo, con lo que logra reducir al extremo los procesos creativos que separan la idea del resultado final. Para el cart\u00f3n la tem\u00e1tica mas recurrente es el retrato enfocado a tem\u00e1ticas sociales, sin embargo en cuanto al porexpan podr\u00edamos decir que no hay una linea de trabajo definida por encontrarse en una fase muy temprana de investigaci\u00f3n.<\/p>

A participado en diferentes ferias de arte contempor\u00e1neo como SCOPE Art Show BASEL, KUNST Z\u00farich o Art MARBELLA, y a trabajado con distintas galer\u00edas como PYTHON Gallery Z\u00farich, ESTHER MONTORIOL Barcelona, Galer\u00eda ZUNINO Sevilla o Galer\u00eda F\u00daCARES Almagro. Adem\u00e1s ha obtenido diversos premios dentro del \u00e1mbito de las artes visuales de instituciones como CAC Centro de arte contempor\u00e1neo de M\u00e1laga, IVAM Instituto valenciano de arte moderno, Fundaci\u00f3n Caja Rioja o Fundaci\u00f3n Caja Rural del Sur.<\/p><\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t\t\t

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Mi ponencia se dividir\u00e1 en 6 puntos o apartados.<\/p>

1. Comenzar\u00e9 con una breve presentaci\u00f3n a nivel personal haciendo hincapi\u00e9 en mi entorno familiar-profesional ya que fue el origen y el germen de mi trabajo desde los inicios de mi carrera hasta el d\u00eda de hoy.<\/p>

2. Seguidamente hablar\u00e9 sobre mis in\ufb02uencias primigenias que est\u00e1n \u00edntimamente ligadas a mi lugar de nacimiento, Andaluc\u00eda oriental, y por extensi\u00f3n a su folclore y patrimonio cultural.<\/p>

3. En este tercer punto abordar\u00e9 la cuesti\u00f3n de mi formaci\u00f3n acad\u00e9mica, desde los estudios de bachillerato en la renacentista ciudad de \u00dabeda hasta mi paso por las facultades de BBAA de Atea, Salamanca y M\u00e1laga.<\/p>

4. Acto seguido intentar\u00e9 explicar las razones por las que trabajo con materiales procedentes del reciclado.En esta parte de la ponencia me ayudar\u00e9 de im\u00e1genes de mis trabajos de manera cronol\u00f3gica.<\/p>

5. En el pen\u00faltimo punto comentar\u00e9 de forma escueta algunos de los principales logros o m\u00e9ritos obtenidos a lo largo de mi carrera. ( Premios, obra en instituciones, encargos importantes, etc.)<\/p>

6. La parte \ufb01nal de esta ponencia la dedicar\u00e9 a hacer una re\ufb02exi\u00f3n o balance a nivel personal sobre mi experiencia en el mundo del arte, desde mis comienzos hasta la actualidad.<\/p><\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/div>\n\t\t\t\t

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Ef\u00edmero. Tiempo y acci\u00f3n<\/span><\/p>

SILVIA M\u00c1RQUEZ PEASE<\/strong><\/p>\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t

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Silvia M\u00e1rquez Pease posee un doctorado en Filosof\u00eda, Est\u00e9tica y Teor\u00eda del Arte por el IDSVA Institute of Doctoral Studies in Fine Arts<\/em>, en Portland, Maine. Adem\u00e1s, ha realizado estudios de posgrado en la Basel Academy of Art and Design<\/em> en Basel, Suiza y en la Harvard<\/em> University<\/em> en Cambridge, Massachusetts. Obtuvo una maestr\u00eda en Bellas Artes, Dise\u00f1o y Multimedia, as\u00ed como una licenciatura en Dise\u00f1o e Ilustraci\u00f3n, ambas en la University of Miami<\/em> en Miami.<\/p>

Actualmente, su investigaci\u00f3n se centra en destacar las experiencias que generan cambios en las mujeres latinoamericanas, con especial \u00e9nfasis en las argentinas, como se refleja en su pr\u00f3ximo libro en proceso de publicaci\u00f3n. En donde analiza c\u00f3mo la plasticidad visual puede manifestar mensajes, transformar y reformular identidades femeninas. La Dra. Pease aborda estos temas en sus art\u00edculos acad\u00e9micos, presentaciones p\u00fablicas y a trav\u00e9s de su docencia permanente en la Florida International University.<\/em><\/p>

La Dra. Pease ha iniciado proyectos colaborativos acad\u00e9micos con la Central University of Technology<\/em> en Sud\u00e1frica, enfoc\u00e1ndose en las experiencias de las mujeres y las condiciones de vida tanto en Sud\u00e1frica como en Am\u00e9rica Latina. Su trabajo destaca el papel de las representaciones visuales creativas como agentes de cambio. Un ejemplo de esta labor es el proyecto colaborativo “Who Women Are: A Context in the Arts,”<\/em> una iniciativa conjunta con dicha universidad en Free State. Adem\u00e1s, liderada cursos transdisciplinarios orientados al servicio, como su iniciativa de investigaci\u00f3n: ‘Design is Change’ (www.designischange.org), en la cual sus estudiantes han colaborado con m\u00e1s de cuatrocientas organizaciones sin fines de lucro.<\/p>

Actualmente, Silvia Pease est\u00e1 desarrollando un transdisciplinario colaborativo que examina c\u00f3mo las comunidades ind\u00edgenas matriarcales emplean expresiones art\u00edsticas para abordar m\u00faltiples cuestiones \u00e9ticas. Este proyecto se sit\u00faa dentro del contexto m\u00e1s amplio del arte como herramienta para combatir la violencia contra las mujeres. Pease argumenta que al analizar las experiencias y representaciones femeninas art\u00edsticas de sociedades marginales en espacios p\u00fablicos se puede reimaginar un future m\u00e1s justo.<\/p><\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t\t\t

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500 Rosas, 5 C\u00edrculos, 5 Semanas<\/em>: Materia Ef\u00edmera en el Espacio P\u00fablico<\/strong><\/p>

Este art\u00edculo aborda la idea de lo ef\u00edmero a trav\u00e9s de la instalaci\u00f3n “500 Rosas, 5 C\u00edrculos, 5 Semanas”, ubicada en espacios p\u00fablicos y participativos de car\u00e1cter fugaz, que se desvanecen o se consumen ante los ojos del espectador. Estas manifestaciones est\u00e9ticas temporales reintroducen en el arte contempor\u00e1neo una noci\u00f3n esencialmente experiencial, que contrasta con la permanencia del objeto: lo ef\u00edmero. Es decir, la experiencia de lo ef\u00edmero en espacios p\u00fablicos no solo genera una sensaci\u00f3n de permanencia derivada de la apropiaci\u00f3n psicol\u00f3gica del entorno y de la conexi\u00f3n con la comunidad, sino que tambi\u00e9n funciona como una herramienta para explorar un espacio repleto de significados diversos y transformaciones.<\/p>

Mi instalaci\u00f3n “500 Rosas, 5 C\u00edrculos, 5 Semanas” consiste en quinientas rosas rojas dispuestas en cinco c\u00edrculos con dise\u00f1os variados. Estos c\u00edrculos de rosas simbolizan el inicio o el lugar donde algo comienza a gestarse. Las rosas, como materia ef\u00edmera, encarnan la inestabilidad del tiempo y su inevitable desintegraci\u00f3n, reflejando as\u00ed la transitoriedad y el proceso continuo de cambio. La obra trasciende los l\u00edmites, cuestionando la relaci\u00f3n entre lo eterno y lo ef\u00edmero, lo relevante y lo irrelevante, y ofreciendo una vasta gama de interpretaciones.<\/p>

Palabras clave: Materia ef\u00edmera, espacio p\u00fablico, multiplicidad, instalacion, impermanencia<\/p><\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/div>\n\t\t\t\t

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Ef\u00edmero. Tiempo y acci\u00f3n<\/span><\/p>

MIGUEL MOLINA & DUBRA MINDEK<\/strong><\/span><\/p>\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t

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Dubravka Mindek<\/strong> es doctora en antropolog\u00eda. Naci\u00f3 en Croacia, donde estudi\u00f3 etnolog\u00eda y filolog\u00eda espa\u00f1ola. Desde 1986 vive en M\u00e9xico, adonde lleg\u00f3 para realizar estudios de posgrado. Actualmente se desempe\u00f1a como profesora-investigadora en el posgrado en ciencias sociales de la Facultad de Estudios Superiores de Cuautla, Universidad Aut\u00f3noma del Estado de Morelos. Sus l\u00edneas de investigaci\u00f3n incluyen g\u00e9nero, parentesco, familias y matrimonios en diferentes contextos, sus diversidades y desigualdades.<\/p>

Miguel Molina-Alarc\u00f3n<\/strong>, artista y catedr\u00e1tico del Dpto. de Escultura de la Facultad de Bellas Artes de la Universitat Polit\u00e8cnica de Val\u00e8ncia. \u00a0Como artista e investigador ha trabajado en el estudio de los antecedentes del arte sonoro y de la performance<\/em> antes de la performance<\/em>: https:\/\/dialnet.unirioja.es\/servlet\/autor?codigo=2496337<\/a> Desde el grupo de investigaci\u00f3n LCI, ha sido IP de varios Proyectos I+D y coordinador de eventos p\u00fablicos de los resultados obtenidos: https:\/\/www.youtube.com\/@intermedia0\/videos<\/a> \u00a0<\/p>

Mindek & Molina<\/strong>, desde 2017 publican en coautor\u00eda varios estudios te\u00f3ricos sobre los antecedentes de la proto-performance<\/em> realizada por mujeres en el \u00e1mbito mexicano y espa\u00f1ol, desde un enfoque transdisciplinar entre la performance<\/em> social y la art\u00edstica. Han ampliado horizontes fusionando las aportaciones te\u00f3ricas y metodol\u00f3gicas complementarias de sus respectivas disciplinas: la antropolog\u00eda y el arte.<\/p><\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t\t\t

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Se plantea la problematizaci\u00f3n de la pervivencia en el tiempo de lo ef\u00edmero y lo permanente, y que pueden manifestarse opuestos o unidos en la performance<\/em> art\u00edstica y tambi\u00e9n en la performance<\/em> social de los afectos. Dicha oposici\u00f3n y uni\u00f3n han estado presentes en la performance <\/em>art\u00edstica, considerada en sus inicios de car\u00e1cter ef\u00edmero e inmaterial, una posici\u00f3n contrapuesta a su perdurabilidad. Por un lado, la investigadora Peggy Phelan considera que la performance<\/em> vive solo el presente y que no debe recordarse, documentarse o repetirse, dado que su fuerza se encuentra en su fugacidad y desaparici\u00f3n.\u00a0 Desde otras posturas, como la de la performer<\/em> Marina Abramovich, que recientemente ha acu\u00f1ado el concepto de re-performance<\/em>, la performance <\/em>necesita volverse hacer, para que siga viva.\u00a0 Otras autoras, como Diana Taylor, Rebecca Schneider, Sagrario Aznar, Nerea Ayerbe o Sol Echevarr\u00eda, cuestionan esa polaridad temporal desde los Estudios de Performance<\/em>, que encuentran que en toda performance <\/em>hay un pasado-presente-futuro, considerando que la misma no desaparece sino re-aparece, <\/em>en continua memoria viva.<\/em> En los \u00faltimos a\u00f1os ha habido una museificaci\u00f3n de la performance <\/em>a trav\u00e9s de adquirir los restos materiales de la acci\u00f3n como parte de su colecci\u00f3n y en la programaci\u00f3n temporal de re-performances<\/em> y re-enactments<\/em> en sus salas. Esto ha abierto la discusi\u00f3n de su idoneidad, sus criterios o su posible capitalizaci\u00f3n de la autor\u00eda. Esta museificaci\u00f3n de lo ef\u00edmero, no solo ha sido en la performance <\/em>art\u00edstica, sino tambi\u00e9n en lo que ser\u00eda la performance<\/em> social de las relaciones afectivas, como es el caso del Museo de Relaciones Rotas (Muzej prekinutih veza<\/em>) en Zagreb (Croacia), dedicado a los restos materiales de las relaciones amorosas fallidas. Se estudiar\u00e1 este paralelismo de lo ef\u00edmero y permanente en la performance <\/em>art\u00edstica frente a la social de los afectos y c\u00f3mo lo material interact\u00faa, convive y problematiza entre ambos. Como caso de estudio, se expondr\u00e1 una boda-performance<\/em> de 2018 realizada por los dos ponentes.<\/p><\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/section>\n\t\t\t\t

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Acto de clausura<\/span><\/p>

PAMEN PEREIRA<\/strong><\/span><\/p>\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t

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Dibujo, pintura, escultura, instalaci\u00f3n, en ocasiones fotograf\u00eda y v\u00eddeo, o cualquier otro medio, son v\u00e1lidos para que Pamen Pereira materialice una idea y concrete el acto creativo. Acto que en su proceso se funde con la experiencia vital de la artista y est\u00e1 fuertemente vinculado a la naturaleza, de donde extrae gran parte de sus im\u00e1genes. Un planteamiento art\u00edstico que es, en el fondo, la elecci\u00f3n radical de un modo de vida. Una exigente fidelidad a esta como v\u00eda de conocimiento y lugar de transformaci\u00f3n. La vida como principal gabinete de trabajo.<\/p>

Desde 1986 ha expuesto con regularidad en galer\u00edas espa\u00f1olas como Trinta (Santiago de Compostela), Rafael Ortiz (Sevilla), Artizar (La Laguna, Tenerife), Set Espai d\u2019Art (Valencia), Artur Ramon Art (Barcelona), C\u00e0nem (Castell\u00f3n), Astart\u00e9 (Madrid), Altxerri (San Sebasti\u00e1n), Paral\u00b7lel 39 (Valencia), Antonio de Barnola (Barcelona) o Mar\u00eda Mart\u00edn (Madrid), entre otras\u2026 y en las galer\u00edas extranjeras Heuwise (Seite-Wartau, Suiza), Recent (Sapporo, Jap\u00f3n) o Barg (Teher\u00e1n, Ir\u00e1n). De la mano de algunas de estas galer\u00edas su obra ha estado presente en ferias internacionales de arte como ARCO, Art Basel, Art Cologne y Art Chicago.<\/p>

Entre sus exposiciones individuales en museos, fundaciones y salas institucionales, algunas de ellas con car\u00e1cter de Retrospectiva, destacan las realizadas en Museum Zu Alerheiligen (Schaffhausen, Suiza 1996), Museo de Arte Contempor\u00e1neo Uni\u00f3n Fenosa MACUF (A Coru\u00f1a 1998), Centro Galego de Arte Contempor\u00e1nea CGAC (Santiago de Compostela 2001), La Gallera (Valencia 2002), Centro Torrente Ballester (Ferrol 2003), Centro de Arte Caja de Burgos CAB (Burgos 2009), Museo de Arte Contempor\u00e1neo de Castilla y Le\u00f3n MUSAC (Le\u00f3n 2016), Sala Am\u00f3s Salvador -Cultural Rioja- (Logro\u00f1o 2016) y Fundaci\u00f3n Caja Mediterr\u00e1neo (Alicante 2020).<\/p>

Durante su extensa trayectoria art\u00edstica ha sido seleccionada para participar en exposiciones colectivas y tem\u00e1ticas como \u201cXIII Sal\u00f3n de los 16\u201d (Palacio de Vel\u00e1zquez, Madrid y Auditorio de Galicia, Santiago de Compostela 1993), \u201cLas jaulas del esp\u00edritu\u201d (Galer\u00eda Moriarty, Madrid 1996), \u201cPaysage Contemporain\u201d (Galerie du CAUE, Limoges -Francia- 1997), \u201cOtras Naturalezas\u201d (Monasterio Santa Mar\u00eda de Prado, Valladolid y Castillo de Alaqu\u00e0s, Valencia 2003), \u201cXI Bienal de El Cairo\u201d (Palacio de las Artes y Palacio de la \u00d3pera, El Cairo -Egipto- 2008), \u201cSur Polar: Arte en la Ant\u00e1rtida\u201d (Buenos Aires y M\u00e9xico D.F. 2009), \u201cEl Principio Asia. China, Jap\u00f3n e India y el arte contempor\u00e1neo en Espa\u00f1a 1957-2017\u201d (Fundaci\u00f3n Juan March, Madrid 2018), \u201cTransformaciones, mujeres artistas entre dos siglos\u201d (Fundaci\u00f3n Caja Canarias, Santa Cruz de Tenerife 2020)\u2026 y en muchas otras muestras tem\u00e1ticas sobre artistas gallegos contempor\u00e1neos, Arte y Naturaleza, arte realizado por artistas mujeres o Fondos de colecciones, a trav\u00e9s de las cuales sus obras han estado expuestas en museos y espacios culturales de diferentes ciudades, pa\u00edses y continentes: Museo de Arte Contempor\u00e1neo Esteban Vicente (Segovia), Centro Cultural de la Villa y Palacio del Senado (Madrid), Pazo de Congressos e Exposici\u00f3ns (Pontevedra 1998), Obra Social Centro Abanca y Museo Centro Gai\u00e1s da Cidade da Cultura (Santiago de Compostela), MARCO Museo de Arte Contempor\u00e1nea (Vigo), CICUS Centro de Iniciativas Culturales de la Universidad de Sevilla, Sala Kubo-Kutxa Aretoa (San Sebasti\u00e1n), Antigua Capilla de la Beneficiencia (Logro\u00f1o), CADA Centre d\u2019Art d\u2019Alcoi \u2013 IVAM (Alcoi, Alicante), Palazzo Pinucci (Florencia, Italia), Galleria Via Larga (Florencia, Italia), Kulturzentrum Kammgarn (Schaffhausen, Suiza), Genossenschaft Amtshaus (Kaiserstuhl, Suiza), Recent Museum of Contemporary Arts (Sapporo, Jap\u00f3n), Bibliotheca Alexandrina Arts Center (Alejandr\u00eda, Egipto), Museo Nacional de Bellas Artes (Buenos Aires, Argentina), Museo Nacional de Artes Visuales (Montevideo, Uruguay), Museo de la Ciudad (Quer\u00e9taro, M\u00e9xico) o Museo de Bellas Artes (Caracas, Venezuela).<\/p><\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t\t\t

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Quiero aprovechar la ocasi\u00f3n para plantear, muy brevemente, el arte como un estado de la conciencia que se mueve entre el ser y el hacer. Vamos a partir del planteamiento de que el ser no tiene forma propia; toma forma a trav\u00e9s de las cosas.<\/span><\/p>

Para casi todos nosotros, el arte es nuestra forma de conocimiento, y para que esto sea as\u00ed, dialogamos con la materia, con el esp\u00edritu, con la emoci\u00f3n, la ciencia y, sobre todo, con el humanismo.<\/span><\/p>

Creo que la expresi\u00f3n art\u00edstica est\u00e1 estrechamente unida al compartir. Tanto en su creaci\u00f3n como en su exhibici\u00f3n, lo m\u00e1s importante es siempre la interacci\u00f3n.<\/span><\/p>

Para la creaci\u00f3n se ponen en sincron\u00eda cerebro, coraz\u00f3n y cuerpo, y ante cualquier nueva experiencia hay que escuchar y desarrollar la atenci\u00f3n. \u00a1Cu\u00e1ntas neuronas se ponen en movimiento por todos los circuitos posibles ante la experiencia creativa, la experiencia art\u00edstica y la experiencia est\u00e9tica!<\/span><\/p>

Sirva esto para ver cu\u00e1l creo que es la capacidad y el papel del arte en la visi\u00f3n e interpretaci\u00f3n del mundo. Es decir, en la creaci\u00f3n, la contemplaci\u00f3n o incluso la experiencia est\u00e9tica, as\u00ed como en las experiencias meditativas, el coraz\u00f3n y el cerebro entran en comunicaci\u00f3n en la medida justa. Eso nos permite percibir m\u00e1s all\u00e1 de nosotros mismos, no tan condicionados por nuestra percepci\u00f3n del yo.<\/span><\/p>

Aqu\u00ed entra en juego la inteligencia emocional o espiritual, una inteligencia que no se queda en la superficie, que no se queda en la fachada o en la apariencia, y busca m\u00e1s all\u00e1 de lo inmediato, capaz de leer en lo que no est\u00e1 a primera vista. \u00a0 \u00a0 \u00a0 \u00a0 \u00a0 \u00a0 \u00a0 \u00a0 \u00a0 \u00a0 \u00a0 \u00a0 \u00a0 \u00a0 \u00a0 \u00a0 \u00a0 \u00a0 \u00a0 \u00a0 \u00a0 \u00a0 \u00a0 \u00a0 \u00a0 \u00a0 \u00a0 \u00a0 \u00a0 \u00a0 \u00a0 \u00a0 \u00a0 \u00a0 \u00a0 \u00a0 \u00a0 \u00a0 \u00a0 \u00a0 \u00a0 \u00a0 \u00a0 \u00a0 \u00a0 \u00a0 \u00a0 \u00a0 Nosotros, como artistas, cultivamos esa capacidad de ver lo que atesora una mirada profunda sobre algo.\u00a0\u00a0\u00a0\u00a0\u00a0\u00a0\u00a0\u00a0\u00a0\u00a0\u00a0\u00a0\u00a0\u00a0\u00a0\u00a0\u00a0\u00a0\u00a0\u00a0\u00a0\u00a0\u00a0\u00a0\u00a0\u00a0\u00a0\u00a0\u00a0<\/span><\/p>

El arte tiene la capacidad de hacernos conscientes de esta inteligencia espiritual o emocional, de cultivarla y de compartirla a trav\u00e9s de la experiencia est\u00e9tica o la experiencia art\u00edstica. Y se produce de nuevo un compartir con lo que sucede m\u00e1s all\u00e1 de nosotros mismos.<\/span><\/p>

Nada existe por separado ni desconectado de lo dem\u00e1s; la gran realidad de la vida lo abarca todo sin exclusi\u00f3n: libre en su movimiento, pero absolutamente interdependiente.<\/span>
<\/span>La materia es un estado de transici\u00f3n entre el nacimiento (el d\u00eda) y la muerte (la noche), entre lo presente y lo ausente, siempre en un proceso abierto y din\u00e1mico. \u00bfY si es verdad que la existencia no es nada m\u00e1s que un sue\u00f1o? Propongamos que los tres estados de conciencia m\u00e1s conocidos \u2014la vigilia, el dormir con sue\u00f1os y el dormir profundo\u2014 formen un largo sue\u00f1o. Un cuarto estado de la conciencia ser\u00eda \u201cel despertar\u201d, es decir, \u201cel final del sue\u00f1o\u201d, m\u00e1s profundo que el dormir profundo y m\u00e1s despierto que la vigilia. Un estado donde no interviene la conciencia cognitiva, se detiene la actividad del yo y se despliega todo el brillo del Ser. Ser en todo (Calle, R. 2001; Ramana Maharashi).<\/span>
<\/span>Ah\u00ed se produce un movimiento evolutivo al fondo de uno mismo, en el que cada instante concreto tiene la cualidad de infinito, de eterno, y contiene la esencia de lo que nos mantiene vivos.<\/span>
<\/span>As\u00ed, entramos en ese mundo que no puede ser percibido por los sentidos ni definido por los conceptos y que, sin embargo, es tan real como el mundo visible: es un mundo arquet\u00edpico, intuitivo y transindividual, habitado por energ\u00edas sutiles. Creo que el arte se maneja bien descubriendo el v\u00ednculo entre la materia y estas energ\u00edas sutiles; la imaginaci\u00f3n es una puerta para ello. Siempre hay que poner la raz\u00f3n al servicio de la imaginaci\u00f3n, porque la raz\u00f3n por s\u00ed sola no crea; no puede crear, su trabajo es hacer posible lo que la imaginaci\u00f3n propone (Pereira, P. 2023).<\/span>
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Inmaterial. Pensamiento y discurso<\/span><\/p>

YOLANDA HERRANZ<\/strong><\/span><\/p>\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t

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Licenciada en Bellas Artes por la Universidad del Pa\u00eds Vasco. Especialidades: Pintura y Escultura. Doctora en Bellas Artes por la Universidad de Salamanca. Premio Extraordinario de Doctorado. Catedr\u00e1tica de Escultura en la Facultad de Bellas Artes de Pontevedra, Universidad de Vigo. Directora del Grupo de Investigaci\u00f3n Interdepartamental y Transdisciplinar ES2, Universidad de Vigo.<\/p>

Tiene cinco Tramos de Investigaci\u00f3n (Sexenios) concedidos por la CNEAI. Miembro activo de la C\u00e1tedra Caixanova de Estudios Feministas Universidad de Vigo. Desde su fundaci\u00f3n. La trayectoria art\u00edstica de Yolanda Herranz comienza en 1979 y desde entonces ha expuesto con regularidad.<\/p>

Su creaci\u00f3n, de marcado car\u00e1cter conceptual, se desarrolla en proyectos art\u00edsticos que han sido expuestos en m\u00e1s de doscientas exposiciones en veintisiete pa\u00edses: en Europa (Alemania, Austria, B\u00e9lgica, Espa\u00f1a, Francia, Grecia, Islandia, Italia, Lituania, Luxemburgo, Noruega, Pol\u00f3nia, Portugal, Reino Unido, Suiza), en Am\u00e9rica (Argentina, Brasil, Canad\u00e1, Chile, Colombia, Costa Rica, Cuba, EE.UU., M\u00e9xico, Nicaragua), en Rusia y en Jap\u00f3n.<\/p>

Su obra se encuentra representada en Museos e Instituciones de prestigio de diferentes pa\u00edses.<\/p>

Herranz trabaja con toda la potencialidad po\u00e9tica del lenguaje. Sus propuestas incluyen al espectador y a\u00fanan referencias pict\u00f3ricas, objetuales y escult\u00f3ricas desde una obra volcada sobre la palabra.<\/p><\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t\t\t

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Concebimos la escultura como lenguaje y por lo tanto como pensamiento.<\/p>

Recordaremos que no somos fil\u00f3sofos; somos artistas y el pensamiento en nuestra creaci\u00f3n se encarna a trav\u00e9s de materiales, t\u00e9cnicas y procesos, que no son un fin en s\u00ed mismos, si no que constituyen un medio para vehicular las ideas.<\/p>

El arte, es hijo de su tiempo y nuestra creaci\u00f3n art\u00edstica reflexiona sobre las problem\u00e1ticas del hoy, aunque dirigiendo la mirada hacia un futuro que siempre es incierto y desconocido.<\/p>

Nuestro mundo actual es l\u00edquido, fluyente, inestable\u2026 cambiante. Por esta raz\u00f3n, el concepto de disoluci\u00f3n<\/em> acoge esa naturaleza permeable asociada con nuestra \u00e9poca.<\/p>

Aunque a nivel pr\u00e1ctico los t\u00e9rminos disoluci\u00f3n<\/em> y soluci\u00f3n<\/em> son sin\u00f3nimos. No nos interesa la soluci\u00f3n<\/em> como lugar de concreci\u00f3n y afirmaci\u00f3n, sino la disoluci\u00f3n<\/em> como concepto penetrable, absorbente, diluyente y poroso.<\/p>

Internet (red de redes) se ha definido como figura simb\u00f3lica del laberinto de nuestra era: La Red, inmaterial e intangible, es un lugar inexistente, un vac\u00edo repleto de d\u00edgitos y enmara\u00f1ado de datos, donde el espacio y el tiempo se desvanecen.<\/p>

Frente a la pintura que es representaci\u00f3n y por lo tanto idealidad.<\/p>

Confirmamos que la escultura no representa, sino que presenta: es decir, es presencia y es realidad.<\/p>

Nuestra ponencia se centrar\u00e1 en el \u00e1mbito de la escultura actual y m\u00e1s concretamente se\u00f1alaremos aquellos materiales que ponen en cuesti\u00f3n la permanencia de las obras de arte; noci\u00f3n que se consolida con el arte conceptual que define lo primordial de la idea sobre su realizaci\u00f3n.<\/p>

Las obras seleccionadas acogen:
La energ\u00eda frente a la materia: la palabra, el sonido, la luz y la sombra\u2026
El tiempo sobre el espacio: el \u201chaciendo\u201d en el arte procesual.
El uso del alimento en el arte p\u00f3vera.
Los materiales naturales y el site especific<\/em> en el Land Art.
El cuerpo en el Body Art, el arte de acci\u00f3n y la performance.<\/p>

El cuerpo para las y los aristas actuales es concepto; por lo tanto, es un espacio de cuestionamiento, es un territorio cargado de preguntas, es un lugar de definici\u00f3n\u2026 y es, sobre todo, una v\u00eda de conocimiento.<\/p><\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/div>\n\t\t\t\t

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Inmaterial. Pensamiento y discurso<\/span><\/p>

CARLOS BARBER\u00c1<\/strong><\/span><\/p>\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t

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Trucos de magia: Arquitectos y artistas que hacen volar objetos<\/strong><\/p>

La percepci\u00f3n visual de un objeto \u2014la mirada a su textura forma y color\u2014 nos permite discernir si su superficie es suave o \u00e1spera sin necesidad de tocarla. Simplemente, observando la apariencia del terciopelo, de un tablero de madera pulido o la de la tapa de un libro, vemos la suavidad que tienen sus superficies, aunque la lisura sea sentida por el tacto. Estas propiedades materiales tambi\u00e9n nos permiten deducir si un objeto es pesado o ligero, aunque no lo sostengamos f\u00edsicamente. Sin aguantarlo con nuestras manos sabemos si es liviano, \u00fanicamente vi\u00e9ndolo. Es cuando nuestra percepci\u00f3n queda condicionada a identificar cu\u00e1nto pesa el objeto que tenemos enfrente. Al no poder ver las fuerzas de la gravedad o las fuerzas que ejerce el peso en s\u00ed, deducimos estas cualidades a partir de los materiales definidos en su forma visual. Sabemos, cuando lo miramos, que una piedra de 10 cm de lado, como las utilizadas por Richard Long en sus esculturas de piedras recogidas del terreno, pesa entre 2 y 3 kilos, mientras que un objeto del mismo tama\u00f1o hecho de algod\u00f3n apenas pesar\u00eda unos 200 gramos, 10 veces menos.<\/p>

Algunos arquitectos y artistas han utilizado estas condiciones para desarrollar sus obras. Al igual que un mago nos enga\u00f1a visualmente al hacer aparecer una paloma volando de una chistera, ciertos autores \u2014que se parecen m\u00e1s a quienes hacen trucos de magia\u2014 hacen flotar en el aire metales pesados, enormes piedras, o distintos materiales que parecen desafiar las leyes de la gravedad. Podemos conseguir que la sensaci\u00f3n que tenemos sobre los pesos, seg\u00fan texturas, no tengan que coincidir con el peso real de dicho material. En estos casos es cuando pasamos de hablar de est\u00e1tica e iniciamos el discurso de la est\u00e9tica. Esta ponencia explora la percepci\u00f3n de la materia a trav\u00e9s de las sensaciones que evocan visualmente, especialmente cuando las condiciones normales se transforman y algo que deber\u00eda ser pesado se percibe como ligero y al rev\u00e9s. Esta alteraci\u00f3n nos hace vislumbrar la presencia y la fuerza de la gravedad a trav\u00e9s del desequilibrio.<\/p><\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/div>\n\t\t\t\t

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Inmaterial. Pensamiento y discurso<\/span><\/p>

DAMI\u00c1N RODR\u00cdGUEZ KEES<\/strong><\/span><\/p>\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t

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Reside en Santa Fe, Argentina<\/p>

Compositor, investigador, docente y gestor cultural.<\/p>

Graduado en la Universidad Nacional del Litoral (UNL) como Profesor Nacional de M\u00fasica y de la Universidad Nacional de Cuyo como Magister en Arte Latinoamericano. Actualmente cursa el Doctorado en Artes: Producci\u00f3n e Investigaci\u00f3n en la Universidad Polit\u00e9cnica de Valencia.<\/p>

Profesor Titular ordinario del Instituto Superior de M\u00fasica (ISM) de la UNL<\/p>

Ex Secretario de Cultura de la Municipalidad de la ciudad de Santa Fe, ex Director de Cultura de la UNL. Ex Director del ISM \u2013 UNL.<\/p>

Actual Director del Programa de Innovaci\u00f3n en Arte y Ciencia de la UNL<\/p>

Ha obtenido becas y dirigido proyectos de investigaci\u00f3n e internacionalizaci\u00f3n en la UNL.\u00a0 Sus trabajos acad\u00e9micos han sido presentados en congresos en Argentina y Latinoam\u00e9rica y publicados en un libro propio y en revistas especializadas tanto del pa\u00eds como del extranjero.<\/p>

Sus composiciones para diversos instrumentos, coro, orquesta, de teatro musical contempor\u00e1neo, performances, instalaciones, arte sonoro y en formato video, han sido interpretadas y realizadas en diversos pa\u00edses de Am\u00e9rica y de Europa.<\/p><\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t\t\t

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T\u00edtulo: Silencio y gesto como materias del <\/strong>Teatro Musical Contempor\u00e1neo en obras propias. <\/strong>Un enfoque desde las neurociencias<\/strong><\/p>

Resumen<\/strong><\/p>

Desde la mirada de la fenomenolog\u00eda, en este trabajo recurrimos a categor\u00edas convergentes de las neurociencias, como impulso kinest\u00e9sico, empat\u00eda kinest\u00e9stica<\/em> y cognici\u00f3n encarnada<\/em> para dar cuenta, a trav\u00e9s de nuestra propia experiencia creativa, que el sonido, el silencio y el gesto forman una \u00fanica materia indisoluble del hecho art\u00edstico en el Teatro Musical Contempor\u00e1neo. Intentamos as\u00ed generar una din\u00e1mica de an\u00e1lisis conjunto de los est\u00edmulos visuales y sonoros en los que el cuerpo, su gestualidad y sus acciones, dan forma a los materiales mencionados en un todo indivisible en su condici\u00f3n de ef\u00edmeros, en el que la m\u00fasica se expande del territorio de lo meramente sonoro a otras materialidades, silenciosas, gestuales, como experiencia vagante que trasciende los l\u00edmites de sus c\u00e1nones tradicionales. Al mismo tiempo ofrecemos un recorrido en que la pr\u00e1ctica compositiva musical el sonido es originado desde una necesidad expresiva kinest\u00e9sica\/corporal y no desde la abstracci\u00f3n del sonido y su escritura en una partitura.<\/p><\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/section>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/section>\n\t\t\t\t

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Artistas TRAZO 14<\/h3>\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/section>\n\t\t\t\t
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PEPA MORA<\/strong><\/p>\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t

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Pepa Mora (Madrid), es profesora en el Departamento de Dibujo de la Universidad de Granada e investigadora en el grupo Composici\u00f3n y Narrativa en el Dibujo Contempor\u00e1neo (HUM 805. UGR). Es Licenciada en Bellas Artes (UGR, 2005) y en Historia del Arte (Universidad de Granada-Freie Universit\u00e4t Berl\u00edn-Universidad Complutense de Madrid, 2009); M\u00e1ster Oficial en Dibujo: Creaci\u00f3n, producci\u00f3n y difusi\u00f3n (2012) y Doctora Internacional en Historia y Artes (Espa\u00f1a-Suiza-Francia, 2017). Habla ingl\u00e9s (C1 CEFR), franc\u00e9s (B1 CEFR) y alem\u00e1n (C1 CEFR).<\/p>

Ha sido becada en la Freie Universit\u00e4t Berl\u00edn (2005\/06), en la Universidad Complutense \u00a0\u00a0de Madrid (2007\/08), en CAMAC Centre d\u00b4Art (Francia, 2014), en Maison Verte (Francia, 2015), en la Fundaci\u00f3n Valpara\u00edso (Almer\u00eda, 2018) o en CAR-INland (Madrid, 2022).<\/p>

Entre sus exposiciones individuales m\u00e1s recientes est\u00e1n Alegor\u00edas del Agua y la Leche (Galer\u00eda Graphe\/ Mart\u00ednez & Avezuela. Madrid,2023), El ombligo de Venus (Galer\u00eda Mad is Mad. Madrid, 2021) o R\u00e9sistance Obstin\u00e9e \u00e0 la Barbarie (Cuarto Real de Santo Domingo. Granada, 2019).<\/p>

En los \u00faltimos a\u00f1os ha sido seleccionada para participar en Pareidolie.Salon international du dessin contemporain (Marsella, 2023); en Drawing Room (Lisboa, 2022); en la I Iberoamericana de Toro. Mujer y Artes Visuales S. XXI. (Zamora, 2021) y en Gabinete Art Fair (Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. Madrid, 2020).<\/p>

Entre sus Exposiciones colectivas m\u00e1s recientes cabe destacar:<\/p>

La voluntad sostenida (Galer\u00eda Fern\u00e1ndez-Braso. Madrid, 2024); Mimbres y sombras. Casa Lorca de Valderrubio (Granada, 2024); Lateral (Granada, 2024); y Estudio abierto: m\u00e1s como acontecer que como acontecimiento (Galer\u00eda La Ra\u00edz. Granada, 2024).<\/p>

Como investigadora, est\u00e1 especializada en Art Brut y fund\u00f3 en 2016 la primera formaci\u00f3n reglada sobre el tema. Ya se han celebrado tres ediciones en las que ha sido directora y coordinadora: I Diploma Art Brut: mundos paralelos, sinceridad y brutalidad en el arte (UGR, 2016); II Edici\u00f3n (UGR, 2018) y III Edici\u00f3n (UGR, 2022). Por este encuentro han pasado investigadorxs y creadorxs de distintas disciplinas de Francia, Cuba, Estados Unidos, M\u00e9xico, Italia y Espa\u00f1a.<\/p>

\u00a0<\/h1>

E-mail: pepamora@ugr.es<\/a><\/p>

Instagram: @pepamoraestudio<\/p>

www.pepamora.com<\/a><\/p>

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OCTAVIO IRVING<\/strong><\/p>\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t

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Octavio Irving Hern\u00e1ndez Jim\u00e9nez, Villa Clara, Cuba, 1978. Graduado del Instituto Superior de Arte\/ Universidad de las Artes de Cuba (ISA, 2006) y de la Academia de Bellas Artes San Alejandro (2000) con especialidad en Grabado. Hasta la fecha cuenta con 18 exposiciones personales y ha participado en un centenar de exposiciones colectivas en Cuba y en el extranjero. Premio en el Concurso Internacional “La Joven Estampa” (Casa de Las Am\u00e9ricas, 2007). Ganador de una Beca AECID en la Real Academia Espa\u00f1ola, Roma, 2010. Sus obras forman parte de diversas colecciones institucionales y privadas, en Cuba y en el extranjero; entre ellas, la Colecci\u00f3n del Museo Nacional de Bellas Artes de Cuba, la Colecci\u00f3n del Museo de Arte Latinoamericano de Los \u00c1ngeles (Molaa), la Colecci\u00f3n del Museo de la Estampa y el Dise\u00f1o Carlos Cruz Diez, entre otras.<\/p>

\u00a0<\/p>

En paralelo a su carrera como artista visual se ha desempe\u00f1ado como Decano de la Facultad de Artes Visuales en la Universidad de las Artes de Cuba (ISA), como Director del Taller Experimental de Gr\u00e1fica de La Habana, como Vicepresidente de la Asociaci\u00f3n de Artistas de la Pl\u00e1stica de la UNEAC (Uni\u00f3n Nacional de Escritores y Artistas de Cuba) y Presidente de la Secci\u00f3n de Grabado de dicha asociaci\u00f3n; como asesor\/metod\u00f3logo del Centro Nacional de Escuelas de Arte (CNEART); como profesor de dibujo y grabado de la Universidad de las Artes y la Academia Nacional de Bellas Artes San Alejandro. Ha impartido conferencias, cursos y talleres en el marco de proyectos, eventos y congresos nacionales e internacionales. Actualmente reside en Granada, Espa\u00f1a.<\/p><\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/div>\n\t\t\t\t

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JOSE GRACIA<\/strong><\/p>\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t

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Gracia Pastor, Jose. (Alicante, 1987)<\/p>

Licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Granada en el a\u00f1o 2010. Cursando a posteriori el M\u00e1ster en Medios de Impresi\u00f3n Gr\u00e1fica, Ilustraci\u00f3n y Acu\u00f1aci\u00f3n Art\u00edstica en la Escuela de Grabado de la Real Casa de la Moneda y Timbre, entre los a\u00f1os 2010 y 2012. Para concluir con el M\u00e1ster de Investigaci\u00f3n en Pr\u00e1cticas Art\u00edsticas y Visuales de la UCLM, en el curso acad\u00e9mico 2015\/16. Actualmente alumno de doctorado del programa Doctorado en Historia y Artes de la Universidad de Granada.<\/p>

Desde el a\u00f1o 2010 participa de manera asidua en distintos certamen de Grabado de car\u00e1cter nacional, obteniendo diferentes premios: Menci\u00f3n de Honor en el \u201cCertamen de Arte Gr\u00e1fico para J\u00f3venes Creadores 2011\u201d, Menci\u00f3n de Honor en el \u201cIV Premio Internacional de Grabado y Vino, Bodegas Dinastia Vivanco\u201d, 2\u00ba Premio dentro del \u201cXII Premio de Grabado de San Lorenzo del Escorial\u201d, Menci\u00f3n de Honor en el concurso \u201cGran Canaria series de Obra Gr\u00e1fica 2011\u201d.<\/p>

En 2017 obtiene el 2\u00ba Premio Gabinete en el Open Portfolio realizado dentro del \u201cCongreso de Grabado 1 de 1\u201d. Realizando en septiembre de 2018 una beca de producci\u00f3n y una exposici\u00f3n individual en \u201cTaller de Gr\u00e1fica Experimental de Gr\u00e1fica de La Habana, Cuba y en la Arizona State University-School of Art, Phoenix, EE.UU. En Julio de 2019 presenta una exposici\u00f3n individual en Montana Shop & Gallery Madrid.\u00a0<\/p>

Actualmente ocupa la plaza de T\u00e9cnico de Laboratorio en los Talleres de Grabado y Estampaci\u00f3n de la Facultad de Bellas Artes de Granada.<\/p><\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/div>\n\t\t\t\t

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JOSE\u0301 MIGUEL CHICO LO\u0301PEZ<\/strong><\/p>\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t

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Doctor en Historia y Arte por la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Granada en 2018. Desde 2021 es Profesor Ayudante doctor en el Departamento de Dibujo de la Facultad de Bellas Artes de Granada. Pertenece al Grupo de Investigaci\u00f3n HUM850, Arte y Sociedad. Investigaci\u00f3n y Difusi\u00f3n.<\/p>

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Entre 2020 y 2023 llev\u00f3 a cabo un proyecto de dibujo basado en la representaci\u00f3n de la variabilidad del algoritmo a trav\u00e9s de lo humano, la intuici\u00f3n como motor de la conciencia maqu\u00ednica, mostrando las evidencias de lo poshumano. Las exploraciones que realiza sobre la representaci\u00f3n geom\u00e9trica le llevan a utilizar la l\u00ednea como el \u00fanico elemento necesario para la representaci\u00f3n del plano, en este proceso de descomposici\u00f3n establece un v\u00ednculo de dependencia entre los elementos y el soporte, representando una met\u00e1fora de la sumisi\u00f3n del arte con su contexto f\u00edsico.<\/p>

En la actualidad aborda la exploraci\u00f3n de los condicionantes del formato en la selecci\u00f3n del contenido a trav\u00e9s de una intervenci\u00f3n directa sobre la estructura f\u00edsica de la obra, rompe la forma rectangular transform\u00e1ndola en una forma org\u00e1nica, dejando expuesta la rigidez de los formatos convencionales y c\u00f3mo estos influyen en la percepci\u00f3n y selecci\u00f3n del contenido art\u00edstico.<\/p><\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/section>\n\t\t\t\t

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JOSE\u0301 LUIS LOZANO JIME\u0301NEZ<\/strong><\/p>\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t

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Doctor en Bellas Artes por la Universidad de Granada. Profesor del Departamento de Pintura de la Universidad de Granada. Miembro del grupo de Investigaci\u00f3n Nuevos materiales para el arte contempor\u00e1neo. Ha realizado estancias docentes y de investigaci\u00f3n en diferentes Instituciones y Centros de Arte de \u00e1mbito Nacional e Internacional como University College London. Bentham Project, la Facultad de Bellas Artes del Pa\u00eds Vasco, Academia de Bellas Artes de Cracovia (Polonia), en el Campo de Concentraci\u00f3n de Auschwitz-Birkenau, en el Museo Guggenheim de Bilbao, la Academia de Bellas Artes de M\u00fanich (Alemania) y el Instituto Superior de Arte ISA de la Habana, Cuba, entre otros. Desde el a\u00f1o 2007 es miembro del Grupo de Investigaci\u00f3n del SICA Nuevos Materiales para el Arte Contempor\u00e1neo de la Universidad de Granada hasta la actualidad. En el a\u00f1o 2008 inicia su actividad docente e investigadora en el Departamento de Pintura de la Universidad de Granada hasta el a\u00f1o 2014 y que continuar\u00e1 como Profesor e Investigador en el Departamento de Arte en el \u00e1rea de Pintura de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Miguel Hern\u00e1ndez de Elche hasta el a\u00f1o 2021. Actualmente es Profesor del Departamento de Pintura de la Universidad de Granada. Desde el a\u00f1o 2017 es miembro del Grupo de Investigaci\u00f3n Arqueolog\u00eda de los Medios y Pr\u00e1ctica Art\u00edstica de la Universidad Miguel Hern\u00e1ndez de Elche.<\/p>

Su obra reflexiona sobre el uso de las nuevas herramientas digitales en el proceso de la creaci\u00f3n art\u00edstica. Su trabajo de investigaci\u00f3n gira en torno al uso de las nuevas tecnolog\u00edas de la vigilancia tanto en el campo de la educaci\u00f3n como para la creaci\u00f3n art\u00edstica. Sus proyectos exploran la relaci\u00f3n entre las ciudades, el territorio y los espacios de poder y la manera que tiene el ciudadano contempor\u00e1neo de habitarlas, reflexionando sobre c\u00f3mo el desarrollo de las urbes modifica patrones sociales y determina nuestra relaci\u00f3n con el entorno. Como investigador cuestiona los l\u00edmites entre el espacio p\u00fablico y el espacio privado, analizando las cartograf\u00edas pol\u00edticas y el estudio sobre las nociones de frontera y la dicotom\u00eda como lo local y lo global.<\/p><\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t

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GLORIA LAPEN\u0303A<\/strong><\/p>\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t

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Doctora en Bellas Artes (Universidad de Murcia, 2017), Primer Premio Nacional de Fin de Carrera de Educaci\u00f3n Universitaria, Artes y Humanidades, MEC (2011\/2012) y Premio Extraordinario de Doctorado 2017. Profesora del Departamento de Dibujo de la Universidad de Granada desde 2018. Su l\u00ednea de investigaci\u00f3n se centra en el espacio urbano y sus arquitecturas como recept\u00e1culos de memoria ajenos al acontecimiento y al monumento. Inicia su formaci\u00f3n en 2011 con una Beca de Colaboraci\u00f3n del MEC y tres Ayudas a la Iniciaci\u00f3n a la Investigaci\u00f3n (Universidad de Murcia), que enlaza con un contrato predoctoral (FPI) de la Fundaci\u00f3n S\u00e9neca – Agencia de Ciencia y Tecnolog\u00eda Regi\u00f3n de Murcia y tres estancias en las Universidades de Roma, Granada y Lisboa. Su producci\u00f3n art\u00edstica m\u00e1s reciente ha sido expuesta en Tokyo University of Foreign Studies, Tokio, 2018; Museu Universitat d\u2019Alacant, Alicante, 2022; Leipzig Book Fair, Alemania, 2024; Gallery SG, Venecia, 2024; y Museum of Applied Arts and Design, Lituania, 2024. Actualmente es IP del proyecto de investigaci\u00f3n Est\u00e9ticas contempor\u00e1neas de la memoria. Las prisiones provinciales espa\u00f1olas como espacios des-historizados<\/em>, e investigadora del proyecto Nacional I+D+i Im\u00e1genes para la inclusi\u00f3n y la educaci\u00f3n en la diversidad<\/em>, ambos de la Universidad de Granada.<\/p><\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/div>\n\t\t\t\t

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EMILIO LUIS FERNA\u0301NDEZ GARRIDO<\/strong><\/p>\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t

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La nostalgia y los recuerdos van cogidos de la mano mientras recorremos este mundo complejo, de forma fren\u00e9tica y en continua transformaci\u00f3n. Algunos individuos navegan a la deriva en un aparente silencio, buscando su propia evoluci\u00f3n social y corporal interna en una aparente actitud moral \u00edntegra.<\/p>

As\u00ed, deambulamos descalzos de experiencias, dejando (a veces) una fragancia vac\u00eda pero repleta de contenido. Lo sutil interacciona con lo complejo en el tr\u00e1nsito vital de la vida para reproducirnos como especie con un planteamiento trazado desde una \u00f3ptica personal e \u00edntima, c\u00f3mo una necesidad fisiol\u00f3gica.<\/p>

Las relaciones que se establecen entre las personas son ef\u00edmeras, y \u00e9stas, a la vez, obsesionadas con la transformaci\u00f3n del cuerpo como sujeto y objeto. Es por esto que se insin\u00faan en trazos recurrentes y obsesivos en la b\u00fasqueda del elixir en una oscuridad repleta de color.<\/p>

Estamos continuamente acariciando lo sutil de lo ef\u00edmero.<\/p><\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/div>\n\t\t\t\t

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J.A. VERTEDOR-ROMERO<\/strong><\/p>\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t

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Profesor del \u00c1rea de Dibujo del Departamento de Artes y Humanidades en la URJC. Doctor en Comunicaci\u00f3n<\/strong> (UMA, 2021) con la tesis titulada Sonificaci\u00f3n de flujo de datos. Un an\u00e1lisis transversal de la obra de Alva Noto y Ryoji Ikeda<\/em>. Obtiene una Beca Margarita Salas<\/strong> en el a\u00f1o 2022 con la que realiza una estancia de investigaci\u00f3n de dos a\u00f1os en el Departamento de Dibujo de la UGR. Licenciado en Bellas Artes<\/strong> (2014) y M\u00e1ster en Producci\u00f3n Art\u00edstica Interdisciplinar<\/strong> (2015) por la UMA. Centrado en una l\u00ednea de investigaci\u00f3n<\/strong> relacionada con las pr\u00e1cticas art\u00edsticas<\/strong> con medios digitales<\/strong>. Parte de la observaci\u00f3n de la figura del artista <\/em>como nexo de una sociedad red<\/em><\/strong> en la que el conocimiento es compartido en un proceso abierto a la participaci\u00f3n, el intercambio, la manipulaci\u00f3n y la remezcla del material simb\u00f3lico y conceptual generado por la multitud<\/em>. Se interesa por la tendencia creative coding <\/em>a trav\u00e9s del dise\u00f1o y prototipado de sistemas de gesti\u00f3n de contenido audiovisual con lenguajes de programaci\u00f3n visual (VPL). Explora el dise\u00f1o sonoro desde una visi\u00f3n experimental. Sus propuestas se desarrollan tanto en el \u00e1mbito expositivo de lo f\u00edsico o virtual como a trav\u00e9s de la performance audiovisual.<\/p><\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/section>\n\t\t\t\t

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ANDREA DE LA RUBIA<\/strong><\/p>\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t

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Andrea de la Rubia es Licenciada en Bellas Artes (2012, ULL) y Doctora en Historia del Arte (2019, UCM) con la tesis Modern Art of Nepal (1850-1990): Picturing a Nation, Performing an Identity<\/i>, realizada gracias a una beca de Formaci\u00f3n del Profesorado Universitario concedida por el Ministerio de Cultura y Deporte de Espa\u00f1a 2014-2018. Su tesis es una reconstrucci\u00f3n hist\u00f3rico-cr\u00edtica sobre el desarrollo del arte contempor\u00e1neo nepal\u00ed a lo largo de los \u00faltimos siglos para definir la identidad nacional. Andrea ha sido docente predoctoral en el Departamento de Historia del Arte de la UCM (2014-18), as\u00ed como en el Curso de Postgrado Especialista en Arte de India y Asia Oriental (UCM 2016, 2017). En los \u00faltimos a\u00f1os, ha sido Profesora Contratada Interina en el Departamento de Dibujo de la Facultad de Bellas Artes de la UGR (2021-24) donde ha impartido las asignaturas de Principios B\u00e1sicos del Dibujo, Dibujo I. Lenguajes y Materiales, Audiovisuales y Creaci\u00f3n Digital. Habiendo obtenido excelentes valoraciones docentes en todas ellas.<\/p>

En la actualidad, es Profesora de Dibujo de la Facultad de Artes y Humanidades de la URJC, donde imparte la asignatura de Dibujo al Natural. Su objetivo es el de explorar las t\u00e9cnicas y metodolog\u00edas del dibujo en Asia del Sur, enriqueciendo la formaci\u00f3n de los estudiantes con nuevas perspectivas y herramientas creativas, as\u00ed como una comprensi\u00f3n m\u00e1s profunda y reflexiva de las influencias culturales en la pr\u00e1ctica art\u00edstica. Especializada en arte de Asia, su labor investigadora se centra en las culturas de India y el Himalaya. Ha realizado varias estancias Predoctorales y Postdoctorales en centros de investigaci\u00f3n y universidades de reconocido prestigio en Katmand\u00fa (Nepal) y Bangalore (India). Andrea ha difundido su investigaci\u00f3n a trav\u00e9s de un significativo n\u00famero de art\u00edculos cient\u00edficos, cap\u00edtulos de libro y ponencias de car\u00e1cter nacional e internacional. Su trabajo investigador abarca tanto el \u00e1rea de la Historia del Arte como las Bellas Artes en su car\u00e1cter m\u00e1s pr\u00e1ctico y conceptual. Interesada en el arte de la fotograf\u00eda experimental su obra ha sido reconocida con el Premio Asturias Joven de Artes Pl\u00e1sticas 2022, entre otros. Su trabajo creativo hibrida las tecnolog\u00edas digitales, el dibujo interactivo y la fotograf\u00eda para resaltar el factor ut\u00f3pico de lo tradicional, lo femenino y lo ritual, en constante regeneraci\u00f3n debido al turismo y la preservaci\u00f3n del Patrimonio Cultural en la contemporaneidad.<\/p>

Asimismo, Andrea es M\u00e1ster en Historia del Arte Contempor\u00e1neo y Cultura Visual (UCM & UAM, 2014) impartido por el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sof\u00eda. Su colaboraci\u00f3n laboral en el Departamento de Exposiciones Temporales de este museo le introdujo en el mundo del comisariado, habiendo organizado con posterioridad varias exposiciones de arte contempor\u00e1neo en Nepal.<\/p><\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t

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